LUGAR DE REPRESENTACIÓN

En la España del siglo de Oro el teatro fue una de las diversiones principales, representadas en los corrales de comedias, a menudo los patios interiores de alguna manzana de casas cubiertos por un toldo. Empezaban hacia las 2-3 de la tarde en invierno y en verano hacia las 3-4 duraban entre dos horas y media o 3 horas pero concluían antes del anochecer por razones morales y de orden público.

Escenario solía ser sencillo, contaba con un telón decorado y con paneles para ambientar la escena contenían algunas trampas de transformaciones por las que un actor aparecía por sorpresa ante el público. Comedias de capa y espada, damas virtuosas, galanes embozados, criados chismosos y no podían faltar tampoco los duelos de espada. Se cobraban entradas antes de entrar al corral y otras en las localidades de asiento. Frente al escenario había una fila de asientos de iglesia y el resto del patio era para los mosqueteros (gente común). En medio del corral solía haber un pozo y  a veces unas letrinas, los acomodadores o alojeros dónde en verano se vendían agua, fruta y frutos secos.

Desde mediados de la década de 1580 las mujeres ocupaban un corredor especial, llamado cazuela. Las de la nobleza podían ocupar a los aposentos o habitaciones desde donde podían contemplar la función detrás de unas rejas. Las localidades de asiento de los corredores superiores eran ocupadas por regidores, altos oficiales, nobles y eclesiásticos.

Los corrales se cerraban los miércoles de ceniza y se abrían después de pascua, la representación teatral fue al principio fue un ingrediente más del día de fiesta pero si tenía éxito se extendía a los días laborables, martes y jueves al comienzo, hasta llegar a la representación diaria.

LA COMEDIA NUEVA

En el siglo XVII, Lope de Vega, tuvo la genialidad de acertar con una fórmula teatral de éxito seguida por todos los autores a partir de entonces. Se la llamó la comedia nueva para distinguirse de la obra teatral clásica. Esta comedia combinaba la calidad literaria con la capacidad de atraer al público, objetivo que logró como nadie.

En el 1609 Lope compuso su Arte nuevo de hacer comedias, breve e irónica obra en la que pretende explicar su concepción teatral y defenderse de los que le critican por adaptarse de los modelos clásicos. A lo largo de su tratado va mostrando las características que tienen las obras que escribe:

-          Número de actos: 3 (unos tres mil versos) y los llama jornadas. A diferencia del teatro clásico que tenia 5 actos.

-          Propone la mezcla de lo trágico y lo cómico. La comedia ha de representar la variedad, igual que la vida. Esto implica que en una misma obra pueden aparecer nobles y plebeyos, reyes y campesinos…Se mezclan los estratos sociales, aunque se guarda el decoro en la forma de hablar, comportarse, vestirse… El gracioso es el papel interpretado por el criado del galán aparece incluso en las obras más trágicas.

-          El teatro clásico proponía el respeto de las tres unidades (acción, tiempo y lugar). La obra debía tener una única acción y desarrollarse en un mismo lugar y durante una jornada. Lope acepta, aunque no la observe en sus comedias, la unidad de acción, sin embargo, cree innecesario guardar las de tiempo y espacio.

-          Las obras teatrales se escriben en verso. El escritor utiliza diferentes tipos de estrofas según las situaciones. (polimetría)

-          El gusto: Lope admite que las reglas del teatro clásico están bien, pero cada época es distinta y los gustos del público varían. Así que hay que adaptarse a ellos puesto que el público es el que paga. El fin de la comedia es provocar el disfrute del público. 

Los géneros y los temas de la nueva comedia:

Ya hemos dicho que las obras se escriben en el siglo XVII siguiendo la fórmula de Lope se les llamó genericamente comedias, aunque este nombre no se corresponde con el concepto clásico de comedia. De hecho, muchas de las obras que se escriben en el barroco son tragicomedias o drmas: tienen elementos trágicos mezclados con contrapuntos cómicos y pueden tener un final feliz o desdichado.

El concepto de comedia es cuando se mezclan personajes elevados y bajos y tienen un final feliz, y las tragicomedias o dramas mezclan personajes elevados y bajos, situaciones trágicas y cómicas y pueden acabar bien o mal.

EL TEATRO

El oficio teatral empezó a ser en España una profesión más o menos estable en el s. XVI. Antes de mediar el siglo llegaron a nuestro país compañías teatrales italianas profesionalizadas, que actuaron ante la corte y, después, ante el pueblo. Las más populares fueron las de los actores de la commedia dell’arte, que recurrían a la expresión corporal y al mimo más que a la palabra, en representaciones improvisadas sobre el escenario a partir de un esquema previamente acordado y elaborado (lo que se llamaba scenario) sobre el argumento, el desarrollo de la acción y su desenlace.

Las compañías teatrales solían formarse para trabajar durante todo un año. En la Cuaresma (período de obligado descanso, pues las representaciones estaban prohibidas) los actores se reunían en los mentideros, lugares donde se apalabraban contratos y se negociaban las condiciones laborales y económicas. La compañía empezaba su trabajo durante la Pascua de Resurrección y permanecía unida hasta la siguiente Cuaresma.

Los ayuntamientos poderosos formaban una o dos compañías para representar los autos sacramentales el día de CorpusChristi, fiesta de gozaba de cierta tradición y de gran arraigo popular.

Los actores prestaban cuerpo y voz al personaje, sobre todo voz, en un tipo de teatro en el que se decía ir a “oír la comedia”. Los cómicos más célebres de la época fueron Cosme Pérez, llamado Juan Rana, Mariana de Borja y María Calderón, la Calderona, amante célebre de Felipe IV -con el que tuvo un hijo, Don Juan de Austria-.

En España, las mujeres tenían permitido actuar (aunque debían estar casadas), pero no ocurría lo mismo en otros países europeos en los que la profesión estaba tan mal vista que eran hombres disfrazados los que hacían los papeles femeninos. De hecho, al principio, los papeles femeninos en España, los representaban niños. Uno de los mitos con más éxito en el teatro de la época era el de la mujer vestida de hombre o la mujer varonil. Muchas comedias incluían escenas en las que las mujeres habían de travestirse para realizar hazañas de hombre: defender su honor, por ejemplo. Como puedes imaginar, esto daba lugar a situaciones equívocas y a enredos.

La consideración social de los actores y actrices nunca fue muy buena: los matrimonios y emparejamientos se hacían generalmente entre hombres y mujeres de la farándula, por lo que formaban un grupo un tanto al margen de la sociedad de su tiempo. De hecho, la Iglesia no permitía que fuesen enterrados en sagrado.

Las compañías se clasificaban según el repertorio de obras que llevaban, el número y la calidad de sus actores; así, tenemos: bululú, ñaque, gangarilla, cambaleo, garnacha, etc. Recibían el nombre de compañías de legua si recorrían el país representando por los pueblos. Las mejores eran las compañías reales o de título. Estas últimas estaban formadas por unas veinte personas (incluyendo el apuntador o el cobrador); el jefe era el autor y los actores tenían asignados los papeles que representarían: galán, dama, barba (hombre mayor con mando, el padre o el rey), gracioso, vejete, música...). Sólo cambiaban de papel cuando la edad les impedía seguir haciendo de galán o dama, por ejemplo.

El petarquismo

El pertarquismo tiene sus orígenes en Francisco Petrarca que fue un escritor italiano que vivió a principios del s.XVI. Fue uno de los primeros humanistas (hombre que se especializaban en el saber y el conocimiento de la antigüedad clásica) que influenció en el renacimiento junto con Dante y Boccaccio. Petrarca compuso en italiano poemas a una mujer a quién llamó Laura en sus versos. este tipo de poesía tuvo un gran éxito y fue imitada durante siglos. Se la conoce cómo poesía petrarquista.
Sus características eran:
-belleza femenina idealizada (reflejo de la perfección divina) comparada con elementos de la naturaleza (el cabello es oro, los ojos son como soles...).
-el amor es dolor, pero no desesperado, pues se aspira a una resignación o serenidad espiritual ante el sentimiento tormentoso del deseo controlado por la razón, considerado un gran esfuerzo noble.
-el amor es fiel por encima de todo, a pesar de no ser correspondido o de perder a la amada se sigue amando.
-el lenguaje es aparentemente sencillo con musicalidd y belleza.
-se utilizan tópicos latinos cómo: locus amoenus, carpe diem, beatus ille...
-se utilizan mitos grecolatinos
-se utiliza el endecasílabo italiano y aparecen nuevas composiciones (soneto, canción..).

El renacimiento

El renacimiento es el retorno a los ideales artísticos, literarios y filosóficos del mundo grecolatino.
Sus orígenes provienen de Italia dónde en las ciudades y en los estados italianos actúan como mecenas de los artistas. Se convierten en centros de renovación artística, científica y de las costumbres e ideas de toda la sociedad.
Los estados pontificios eran: Nápoles, Florencia, Milán... que estaban bajo el poder de los Papas y las nobles familias de los Sforza, los Malatesta, los Medicis, los Borgia...
La prosperidad económica de la época da una visión optimista de la vida. La burguesía se dedica a las actividades artesanales o comerciales y muchos eran mecenas (patrocinaban la letras o las artes). Gracias a esta prosperidad económica y al mecenazgo hubo un desarrollo literario y artístico.
Algunos de los mecenas fueron: Lorenzo de Médicis, el magnífico que pertenecía a una poderosa familia, los Médicis, que protegieron a artistas, poetas y escritores e iniciaron lujosas construcciones.



Características del renacimiento:
- El descubrimiento de la cultura grecolatina hace que se busque el equilibrio clásico.
- El interés por el conocimiento da un gran esplendor en actividades artísticas.
- Grecia y Roma serán modelos a imitar, se estudiarán sus ares y lenguas.
Temas del renacimiento:
- Belleza: Representada a partir de la figura femenina.
- Naturaleza: Su hermosura sirve como fuente de inspiración.
- Amor: En su faceta sacra y profana. Muchas veces simbolizado a través de la rosa.
- Mitos grecolatinos.
- Bucólicos y pastoriles: Ambiente natural de pastores y pastoras que en realidad son cortesanos disfrazados. Suele aparecer el tópico del locus amoenus.
- Armonía de la música: Como reflejo del equilibrio del universo.
Tópicos del renacimiento:
-Carpe diem: Goce y disfrute de la vida.
-Locus amoenus: Paisaje idílico que sirve de marco ideal para el amor.
-Alabanza de la aldea
-Beatus ille: Vida natural frente a la vida artificial y agitada.
-Donna Angelicata: La mujer más cercana a la divinidad que a los hombres.
Formas métricas:
-Terceto: 3 versos endecasílabos (11 sílabas) que riman en consonante: el primero con el tercero y el segundo queda libre.
-Terceto encadenado: Cuando la rima del segundo verso queda libre es la rima del primer verso del segundo terceto: ABA-BCB-CDC...
-Soneto: Es una composición poética formada por dos cuartetos endecasílabos que riman A-B-B-A, seguida por dos tercetos.
-Lira: Estrofa de 5 versos de 7 sílabas el primero, el tercero y el cuarto, y de 11 sílabas el segundo y el quinto. Riman en consonante a-B-a-b-B.
-Canción: Combinación de versos de 11 y de 7 agrupados en una estrofa que tiene tres partes: fronte, cuerpo, coda. La coda es un terceto o un pareado, y el fronte deja paso al cuerp a través de un verso de siete que rima con uno de 11, que tiene a continuación, lo que denominamos volta.
- Silva: Combinación de versos de 7 y 11, sin forma fija.




Gracilaso de la Vega fue un poeta importante durante este período.
Fue uno de los más grandes exponentes del Siglo de Oro español, nació en Toledo alrededor del año 1496 y falleció en Niza en el año 1536. De crianza noble, se implicó en la política castellana desde muy joven. Participó de varias batallas, tanto militares como políticas, bajo el mando del emperador Carlos I, a quien acompañó a Bolonia para su coronación. Un año más tarde, por razones que no han sido desveladas, de la Vega fue desterrado dos veces, siendo Nápoles su última residencia conocida. El suelo francés vio sus últimos días, ya que las heridas que sufrió en un enfrentamiento en Provenza, lo llevaron a morir a la ciudad de Niza, probablemente sin siquiera haber cumplido cuarenta años.
Se supone que toda la obra de este excelente poeta, la cual incluye cuarenta sonetos y siete coplas castellanas, fue escrita entre los años 1526 y 1535. Casi una década después de su fallecimiento, sus escritos fueron publicados por primera vez, sin gozar de su propio espacio, en el libro titulado "Las obras de Boscán con algunas de Garcilaso de la Vega". Aunque no existen pruebas de que se conociese su faceta artística antes de esta edición, dado su inconmensurable talento y la innovación que impulsaban sus versos, esto es bastante probable.



La poesía durante la edad medieval
-En ambientes cultos: Se utilizaba para transmitir ideas religiosas, ideológicas, políticas, amorosas... también se utilizaba como ocio, entretenimiento, para presumir de conocimientos, para mostrar sentimientos o para ridiculizar tipos y conductas.
-lírica: Poesía trovadoresca provenzal (se convirtió en el dolce stil nuovo) y poesía cancionil en castellano.
-narrativa: Mester de Clerecía (oficio de sabios, de vida santa), tenía carácter moral.

-En ambientes populares: Se utilizaba en bautizos, bodas, entierros o para acompañar la vida cotidiana y para recibir personajes. Se transmitía oralmente, contaban historias de héroes y eran instrumento de burala o cómico.
-lírica: jarchas, cantigas, villancicos...
-narrativa: cantares de gesta y romances.

La Celestina y Trtoaconventos

Aunque estas obras sean de épocas distintas, porque el Libro del buen amor es del siglo XIV que fue escrito por Juan Ruiz Arcipreste de Hita y la Celestina que fue escrita por Fernando de Rojas del XV, encontramos muchas semejanzas entre dos de sus personajes, la Celestina y la Trotaconventos (Urraca).

Aunque fueron obras escritas en diferentes tiempos la sociedad en cada una de ellas era bastante parecida. El personaje de la Celestina está un poco basado en el de Urraca.

Características de cada una

Celestina: vieja barbuda, astuta, sagaz en las maldades, es una alcahueta, viuda, una mujer muy pobre, lucha por sobrevivir porque se gana la vida como puede, señalada cómo hechicera y castigada por ello.

Trotaconventos: es una alcahueta que corre de convento en convento llevando mensajes de amor de caballeros y juglares a las religiosas, es una persona vieja y grosera con un lenguaje de calle. Se dedica a su profesión ya que no le queda otro remedio, sin embargo su actitud es bastante sincera, lista, sutil, razonadora y no es traidora aunque sabe mentir muy bien. Es herbolera, partera  y alcoholera. Tiene la costumbre de ir por las iglesias y lleva rosarios en el cuello. Da consejos y sabe contar histórias.

Características comunes: Los dos personajes son de clase baja de la sociedad. Ejercen el mismo oficio, ambas son alcahuetas. No siempre la gente les da la bienvenida. Tanto Celestina como Trotaconventos a veces son rechazadas. Suelen hallarse en un ambiente parecido ya que tienen que ganarse la vida por su propia cuenta. Las dos mujeres son inteligentes, sabias y buenas mercaderes. Son mayores y saben aprovecharse de la situación, además saben muy bien como manejar a la gente según su conveniencia. En general no se arrepienten de su modo de vida sino que lo defienden.

Características no comunes: Hay diferencias en el campo de la muerte, el lenguaje, en su comportamiento y mentalidad. Utilizan de diferentes maneras la magia y hechicería pero una de las diferencias básicas es que Trotaconventos actúa como personaje secundario y en algunos capítulos mientras que Celestina tiene un papel importante e incluso da nombre a esta obra.

Francesco Petrarca

Francesco Petrarca, fue italiano que escribió en el siglo XIV: recoge toda la tradición hasta ese momento: mujer idealizada, versos musicales, lenguaje embellecido y crea una nueva ordenación de los poemas y incorpora nuevos rasgos de la belleza de la mujer. Compara partes del cuerpo con elementos de la naturaleza (ojos como soles, labios coral...) hace referencia a la dona angelicata y el amor fiel cortés aunque lo recoge un poco de la antigua tradición. Petrarca crea estos nuevos rasgos y luego muchos autores recogen esta manera de comparar la belleza de la mujer con la naturaleza en sus poemas.

-Un ejemplo de un poema de Francesco Petraca:

Fragmento XC
Cancionero
Era el cabello al aura desatado
que en mil nudos de oro entretejía;
y en la mirada sin medida ardía
aquel hermoso brillo, hoy ya apagado;

el gesto, de gentil favor pintado,
ya sincero o ya falso, lo creía;
ya que amorosa yesca en mí escondía,
¿qué mucho que me viera así abrasado?

No era su andar cosa mortal grosera,
sino hechura de ángel; y sonaba
su voz como no suena voz humana:

un espíritu celeste, un sol miraba
cuando la vi; y si ahora tal no fuera,
no porque afloje el arco el daño sana.